NOTRE METHODE DE CHANT

John, en tant que formateur vocal
Tarif des cours : 35 euros/heure
Fréquence variable, à votre demande.
Cette méthode de chant, qui a été transmise à John Asquith par la cantatrice et professeur de chant Florence Wiese, lui avait été elle-même transmise par son professeur.
Florence Wiese l'a enseignée durant quarante ans, John Asquith l'enseigne depuis trente ans, ce qui donne un recul certain!

Florence Wiese Norberg, après une carrière de chanteuse lyrique, s'était fait une spécialité de rééduquer les problèmes vocaux et beaucoup de grandes voix, des chanteurs lyriques comme la cantatrice internationale Kiri Te Kanawa, ou des comédiens comme Laurence Olivier) lui doivent beaucoup.
Elle avait sa propre émission de télé à la BBC où elle apprenait aux jeunes gens les rudiments de sa méthode. John a lui-même eu quelques élèves célèbres à Londres, comme le rocker Cliff Richard.

C'est une méthode rigoureuse, extrêmement précise, basée sur la coordination des muscles. Pour obtenir le plein développement de sa voix il est nécessaire de travailler durant sept ans... cependant, des progrès immédiats se feront sentir dès que vous aurez commencé à appliquer les principes de base.
Un entraîenement quotidien (possible dans la voiture si vous avez un trajet régulier à faire, avec le CD de travail) vous permettra de progresser rapidement et efficacement.


 
John explique tous les bienfaits d'une bonne respiration abdominale en dehors du chant.
Pour les plus curieux...

               LES PRINCIPES DE BASE DE NOTRE METHODE DE CHANT
                                                                         exposés par Florence Wiese

           
   La vie moderne expose les chanteurs à des tensions, aussi bien physiques que psychinques, bien plus importantes que par le passé. Partout dans le monde, les demades insatiables de la reproduction mécanique créent des "stars", et comme les cachets sont conséquents, les dangers sont souvent négligés.
Bien évidemment, des jeunes chanteurs, impatients de percer et de faire carrière dans un métier où la concurrence est devenue de plus en plus impitoyable, sont exploités et poussés à accepter des rôles exténuants sans être ni vocalement, ni mentalement préparés à assumer de telles responsabilités professionnelles.
Comme dans d'autres professions on considère qu'il est indispensable d"y arriver" très jeune déjà. La conséquence en est souvent que des voix jeunes et saines sont forcées au delà de leurs capacités naturelles d'émission d'un beau son et c'est le commencement d'un cercle vicieux qui conduit progressivement à la détérioration du mécanisme vocal. Ce danger ne peut être évité que par une parfaite connaissance de la production vocale.
Chanter, comme parler, est une activité naturelle. Et il est parfaitement exact de dire que chacun possède une "voix", et que,si la motivation est présente, ce talent inné peut être développé. Mais il n'est pas moins vrai que si l'on expose la voix aux demandes exorbitantes de certaines musiques, telles que des notes très aigues, tenues très longtemps, une succession de passages "forte" et "piano", demandes d'agilité ou d'intervalles difficiles, etc..., et qui plus est, si l'on demande à cette voix de produire et obéir à la volonté, alors le mécanisme vocale doit être entièrement sous le contrôle du chanteur.

   Schématiquement, la voix parlée est produite par le mouvement d'une colonne d'air qui passe entre les cordes vocales, créant une des séries des notes de base. Le son est modifié et reçoit son caractère personnel au niveau du palais et des cavités. La langue et les lèvres imposent des intermittences et une compréhension qui est à la base du langage.

   Si un chanteur veut connaître le succès, son audience ne doit ni voir ni entendre son travail respiratoire qui ne pourrait que nuire au spectacle. Il est important de détendre la bouche dans une position souriante avec les lèvres légèrement écartées. La gorge et le diaphragme sont détendus, afin que les poumons se remplissent d'air. Puisque les muscleves abdominaux de la paroi antérieure peuvent être contractés et relâchés à volonté, le chanteur apprend à s'en servir pour contrôler le débit d'air. Dans ce contexte on peut désigner l'ensemble de ces muscles par le terme "diaphragme", qui ne doit pas être confondu avec le diaphragme thoracique abdominal de l'anatomiste échappant, lui, à la volonté.

   Le chanteur doit sentir son corps bien posé sur le sol, sans tensions. Pour produire le son, le débit de l'air doit être maîtrisé par une contraction du diaphragme. Le flux de l'air doit être régulier et juste suffisant, car l'air forcé entre les cordes parvient à les séparer largement l'une de l'autre et à produire un son rauque. Cela peut endommager les cordes plus tard. Le chant dramatique - tel qu'un accès de colère, une exclamation passionnée, est produite par une utilisation rythmique et vigoureuse du diaphragme. Ainsi on voit déjà que la technique du chant exige des exercices respiratoires réguliers pour permettre à l'artiste une parfaite maitrise de son souffle.
   Il est vrai que la gorge n'est pas utilisée activement pendant le chant, pourtant une des plus grandes difficultés  consiste à ouvrir la gorge et à la garder ouverte pendant l'émission sonore.
Si la langue est peu souple, le fonctionnement des cordes s'en trouve affecté, car la racine de la langue est attachée au larynx. Si celui-ci est empêché de vibrer librement, la conséquence peut en être ce que l'on appelle couramment le chevrotement. Cet effet peut être dû à l'ignorance, à la nervosité ou à une voix forcée afin de la rendre dramatique. C'est cela qu'on appelle "chanter sur la gorge" et doit être évité à tout prix. Il existe un exercice très simple d'assouplissement et de détente où la langue repose légèrement contre les dents inférieures, la bouche prend la position du sourire pour l'émission du "aa". En faisant cet exercice devant une glace on peut contrôler que la langue monte et descend librement au fond de la gorge, sans la moindre intervention de la mâchoire inférieure. Quand le souffle passe entre les cordes vocales, il y a production d'un son qui, porté par la colonne d'air jus'aux cavités respiratoires, est finalement émis par la bouche.

   Toute discussion sur les cavités du point de vue du chant doit obligatoirement comprendre une description des "registres". Il y a quatre registres: poitrine, medium inférieur, medium supérieur et tête. Musicalement ces registres peuvent être définis comme suit:
Toute note, à partir de la plus basse de la voix jusqu'au mi bémol, correspond au registre de la poitrine, le medium inférieur s'étend du mi bécarre au si bémol, le medium supérieur comprend les notes entre le si bécarre et le ré bécarre, le registre de tête commence au ré dièse et va jusqu'à la note la plus haute de la voix.
Une bonne compréhension de ces registres permettra au chanteur de produire une voix bien égalisée, bien formée et unie à travers toute son étendue sans le moindre signe de stress ou de fatigue. On ne doit jamais sentir un effort pour atteindre les notes.

   Même si n'est pas encore possible d'analyser en termes de physique exactement ce qui se passe pendant le chant, et à vrai dire, une terminologie anatomique et physiologique n'existe peut-être pas encore pour permettre d'y parvenir, il convient néanmoins de travailler l'utilisation correcte afin de permettre au chanteur de "recevoir" le son dans les bonnes cavités et ainsi d'éviter toute tension ou effort qui serait, soit visible, soit audible, si la voix provenait directement de la gorge. Cela est vrai pour toutes les voix, de la basse au soprano, la seule différence étant la nature de la voix, dramatique ou lyrique ar exemple, qui, elle, est gouvernée par la personnalité et le tempérament du chanteur.

   Une bonne articulation, une bonne diction et une prononciation claire sont indispensables pour que l'artiste ne soit pas seulement bien compris, mais pour qu'il communique également les sentiments et les émotions derrière les paroles. Cela est souvent appelé "coloration de la voix", comme s'il s'agissait d'une ficelle de métier, mais en fait, chaque nuance de sentiment, chaque soupçon d'émotion, peuvent être communiqués grâce à une articulation correcte.
L'articulation comprend l'usage correct des dents, du bout de la langue et des lèvres dans la prononciation des consonnes, ainsi qu'une forme de bouche correcte pour les voyelles. Il n'est pas possible  d'obtenir une articulation correcte à partir de la gorge, ni si le maxillaire inférieur entre constamment en jeu.
Premièrement, K, G, S, J et H sont placés sur les molaires.
D, L, N, F et R sont produits avec le bout de la langue contre les dents supérieures et B, M et P,  qui sont explosives  sont produites par les lèvres (il y a quelques exceptions comme le W qui est articulé sur les lèvres et formé selon la voyelle qui le précède, ainsi que F et V, pour lesquels la lèvre inférieure remonte pour toucher les dents supérieures.

   Il n'y a que deux formes de bouche, et cela est vrai pour le français, l'allemand, l'italien aussi bien que l'anglais. Il s'agit de OU et AU qui sont produits avec les lèvres légèrement avancées, et II, AI et AA qui sont formés avec la bouche dans une attitude souriante  et détendue. Tout chanteur devrait inclure dans son travail quotidien des exercices qui unissent l'emploi des consonnes à celui des voyelles, commençant par exemple par Lou-Lau-Lii-Lai-Lau, et progresser jusqu'aux phrases comme "Merrily roar our harvest home." Dans cette phrase on fait appel aux consonnes produites par les dents, les lèvres et la langue ainsi qu'aux formes de voyelles.
On ne peut que trop souligner l'importance de l'articulation. Tout d'abord elle aide le chanteur à projeter ses paroles au delà des feux de la rampe, lui permettant d'être compris par les auditeurs. Deuxièmement, elle est d'une importance capitale pour garder la voix bien "en avant", sauvegardant l'avenir du mécanisme vocal. Troisièmement, et c'est peut-être le plus important, elle aide le chanteur à se concentrer sur les paroles et lui permet ainsi de donner toutes les nuances de lumière et d'ombre qu'il désire à son interprétation.

   Un professeur à qui on confie la tâche de former une voix se charge d'une très grande responsabilité et il doit aborder chaque élève comme un individu, identifier chacune de ses difficultés particulières qui peuvent être aussi bien d'origine psychique que physique. Avec l'élève, le professeur s'appliquera à les surmonter. Les élèves viennent de tous les horizons; certains sont employés de bureau, vendeurs, infirmières, chanteurs professionnels; certains possèdent une voix de qualité, d'autres pas. Tous ont le désir de chanter, sinon ils ne perdraient pas le temps, ni dépenseraient de l'argent pour des leçons. Tous ont droit à une formation de base qui protègera leur voix dans l'avenir, et, en même temps, qui développera leur potentiel vocal. La voix est un instrument comme un autre et si le chanteur lui inflige un mauvais traitement ou si elle a été formée sans égard pour le fonctionnement du mécanisme vocal, elle en sera inévitablement détériorée.  
Une méthode de production vocale doit chercher à produire une voix dans son état naturel - une respiration naturelle, une articulation et une émission sonore coulant librement afin de permettre aux chanteurs d'exprimer tout ce qu'il désire. Bien évidemment, une méthode, quelle qu'elle soit, n'est efficace que si l'élève y croit et travaille avec régularité, jusqu'à ce qu'elle devienne une partie de lui-même. Beaucoup d'élèves éprouvent des difficultés à apprendre la technique du chant parce que trop intimidés, trop gênés par leur propre voix, ou à cause d'une absence de concentration, des inhibitions dues à une grande nervosité ou encore, une méfiance et une peur manifestes à l'égard d'une personne, quelle qu'elle soit, qui tente d'analyser ce qui leur semble une fonction parfaitement naturelle.

   Chaque élève doit se poser des questions sur ce qu'on lui enseigne - ainsi il comprend mieux - mais tout professeur demande que certaines choses soient acceptées en confiance - la probité étant l'une d'elles. La tâche du professeur consiste à être une source d'aide et de conseils professionnels et de sortir ce que l'élève a de mieux en lui-même, sans jamais ni le dominer, ni l'inhiber. Ainsi l'élève trouvera son propre accomplissement en tant qu'artiste.



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